Alice Izzo

Schweiz

Alice Izzo ist eine bildende Künstlerin und Illustratorin aus Genf, die einen Master-Abschluss in Bildender Kunst an der Hochschule für Kunst und Design in Genf (HEAD) erworben hat. Seit 2017 entwickelt sie ein lebendiges und strahlendes Universum, in dem sich Motive und figurative Formen in farbenprächtigen Kompositionen vereinen. Ihre Kunstwerke, die von der Natur und den Momenten des Alltags inspiriert sind, strahlen eine leuchtende Energie und eine fröhliche Poesie aus und laden den Betrachter ein, in Welten einzutauchen, die zugleich real und imaginär sind.

Als Mitbegründerin des Kollektivs „Les Amazones“ im Genfer Stadtteil Les Bains realisiert sie zahlreiche Gemeinschaftsprojekte und beschäftigt sich mit einer Vielzahl von Ausdrucksformen, von Muralen bis hin zu digitalen Kunstwerken.

Im Jahr 2025 schuf sie im Rahmen des Art Wallis OPEN AIR MUSEUM das monumentale Mural für das neue Schulgebäude in Cologny, der Gemeinde ihrer Kindheit. Dieses Kunstwerk, das eine Mischung aus Rückbesinnung auf die Wurzeln und ökologischem Engagement darstellt, unterstreicht die Notwendigkeit, unser Natur- und Kulturerbe zu bewahren und gleichzeitig die Kunst in den Mittelpunkt des Gemeinschaftslebens zu rücken.

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Rosalie Evard

Schweiz

Rosalie Evard (geb. 1994 in Couvet) lebt und arbeitet zwischen Neuchâtel und Valangin. Sie wurde an der Académie de Meuron und an der École Jean-Sablé in Versailles ausgebildet und entwickelt eine figurative Malerei mit Schwerpunkt auf Porträts. Basierend auf ihren Recherchen und digitalen Collagen aus gefundenem oder persönlichem Bildmaterial schafft sie Acryl- und Ölgemälde, in denen Identitäten fragmentiert und in Szenen mit surrealen Anklängen neu zusammengesetzt werden.

Ihre Arbeiten wurden unter anderem bei der Biennale von La Chaux-de-Fonds, in der Galerie Lange et Pult und bei Panart gezeigt. Ihre Praxis befindet sich in stetigem Wandel und entwickelt sich im Austausch mit neuen Kontexten weiter. 2024 markierte ein Residenzaufenthalt in Berlin einen Wendepunkt; im Frühjahr 2025 setzt sie diesen Weg bei Art Valais fort, eingebettet in die Alpenlandschaft.

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Askew

Neuseeland

Aufgewachsen in der Graffiti-Szene von Aotearoa, Neuseeland, hat Elliot O’Donnell oder Askew One (wie er weithin bekannt ist) eine Karriere aufgebaut, die sich über Jahrzehnte, Kontinente und kreative Ansätze erstreckt, von Graffiti bis Design, von Galerieausstellungen bis Kunstwerken an der Wand, von Illustrationen bis hin zu Videoproduktionen. Als autodidaktischer, multidisziplinärer Künstler entstand O’Donnells künstlerischer Werdegang im multikulturellen Schmelztiegel von Tāmaki Makaurau Auckland, der Hauptstadt des Südpazifiks und dem größten urbanen Zentrum Neuseelands; die Umgebung und die verschiedenen kulturellen Einflüsse haben einen nachhaltigen Einfluss gehabt. Ausgehend von diesen lokalen Wurzeln hat sich der internationale Ruf von Herrn O’Donnell durch Zusammenarbeit, Aufträge und Ausstellungen entwickelt. Derzeit lebt er mit seiner Frau und seiner Tochter in Portland, Oregon, und hat sich als einer der erfolgreichsten kreativen Exporte Aotearoas nach der Jahrtausendwende etabliert.

O’Donnell betrachtete Graffiti als eine Art Alchemie, bei der Kunst aus elementaren Mitteln geschaffen wird, und tauchte in seinen frühen Teenagerjahren in die Kultur des stilistischen Schreibens ein und begann eine Verflechtung, die sein ganzes Leben lang anhielt und sein beständigster Einfluss blieb. Er organisierte das erste Graffiti-Festival in Auckland, schuf eine Reihe von Ausstellungsräumen, veröffentlichte die Graffiti-Zeitschrift Disrupt und verfasste das Buch InForm : New Zealand Graffiti Artists Discuss Their Work (Reed Books, Auckland, 2007), dem ersten wichtigen Buch über die Graffiti-Kultur von Aotearoa, stand O’Donnell drei Jahrzehnte lang an der Spitze der neuseeländischen Graffiti-Szene, als Künstler, Organisator und Verfechter der öffentlichen Sache.. O’Donnells künstlerische Entwicklung spiegelt in vielerlei Hinsicht den Reifeprozess der neuseeländischen Urban Art wider, wobei er die Wandmalerei und die Arbeit im Studio als Erweiterung seiner Graffiti-Wurzeln betrachtet und nach neuen Wegen und Themen sucht.

Einflüsse aufnehmend, Ideen erforschend und Grenzen überschreitend, hat sich O’Donnells Kunst ständig weiterentwickelt, Ideen durch neue Filter überdacht und verfeinert und den Prozess und das Ziel mit einer unersättlichen Neugier neu bewertet. Seine Forschungen über Buchstabenformen dienten sowohl als ständige Diskussion über die Traditionen des Graffiti, als auch als Entdeckung neuer Richtungen jenseits dieser grundlegenden Parameter, die sich in Studien für Gemälde, Wandmalereien, Animationen und Skulpturen manifestierten. O’Donnells Post-Graffiti-Praxis hat sich mit Porträts, Texten, Abstraktion und Untersuchungen der städtischen Umwelt befasst, wobei er ständig ästhetische und konzeptuelle Anliegen ausbalanciert. Der Einsatz von Technologie ist ein zentrales Element in O’Donnells Prozess, um neue Gebiete zu entdecken und ein Gespräch zwischen dem Potenzial des Digitalen und der Ehrlichkeit des Analogen zu führen. Die Kompositionen, die vom Bildschirm auf die Straße und ins Studio gelangen, werden in dynamische Animationen mit wechselnden Perspektiven umgewandelt und freigeschaltet, die das gesammelte Wissen des Künstlers neu darstellen und die Fragen, die er sich über die Welt stellt, neu einrahmen.

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Faith 47

Südafrika

Libertys Weg als Künstler begann 1997 in den Straßen Südafrikas als junger Graffiti-Künstler, der unter dem Namen Faith47 bekannt wurde.

Sie wurde in der internationalen Straßenkunstszene bekannt, bevor sie für ihre multidisziplinäre künstlerische Praxis weithin anerkannt wurde.

Seine Kunstwerke umfassen Wandmalereien, Skulpturen, Videoinstallationen, Wandteppiche und Zeichnungen, die sowohl monumental als auch intim, privat und öffentlich sind.

Sie dekonstruiert die Begriffe Wert und Platz, untersucht die Formen der Herrschaft und erforscht die Formen der menschlichen Wahrnehmung.

Auf der Suche nach dem Göttlichen drückt sie den Wunsch nach einer tieferen Verbindung mit den Weisheiten der natürlichen Welt aus.

Es gibt auch eine aktive Untersuchung und Hinterfragung des menschlichen Zustands, seiner abweichenden Geschichten und unserer eigenen inhärenten existenziellen Suche.

Sie hatte Ausstellungen im Musée des Beaux-Arts de Nancy, Frankreich, im Musée des Beaux-Arts de Calais, in der Fondation Bernard Magrez, Frankreich, bei Mana Contemporary und im Brooklyn Museum, beide in den Vereinigten Staaten.

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Esow

Tokio / Japan

ESOW wurde 1972 in Tokio geboren und entdeckte das Graffiti im Alter von 17 Jahren, als er in die Vereinigten Staaten reiste. Eingetaucht in die ätherische Aura des kulturellen Erbes der Edo-Zeit, nährte er sein künstlerisches Wesen und entwickelte einen Stil, der im Bereich des Außergewöhnlichen existiert. Mit einem Hauch von Einfallsreichtum und Nuancen von Innovation malte er eine visuelle Symphonie, die Geheimnisse flüstert, die nur ein geübtes Auge entschlüsseln kann.

Seine Kunstwerke zeigen eine Vielzahl von Facetten der bezaubernden japanischen Kultur, die durch ein kaleidoskopisches Spektrum von leuchtenden Medien vermittelt werden. Diese Kunstwerke tanzen nicht nur auf der Leinwand, sondern erstrecken sich auch auf Wandmalereien, Holztafeln und übersteigen sogar das Reich der dreidimensionalen Wunder. Inmitten der pulsierenden Geschichte des Graffiti bietet ESOW einen Einblick in die ätherische Anmut, die in seiner rauen Umarmung liegt.

“The Varicolored World” fasst das Wesen der Menschheit als Ganzes zusammen. Es kann Wohlstand und Übertreibung bedeuten oder die einzigartigen Träume und Fantasien darstellen, die in jedem von uns stecken.

In der Ausstellung “ESOW’S WONDERLAND” gibt der Künstler ESOW einen offenen Einblick in das Leben eines Japaners mittleren Alters, das er mit Humor und Phantasie darstellt. Die Ausstellung zeigt die kreativen Ursprünge von ESOW in einer Vielzahl von Medien, darunter Leinwandbilder, Holzschnitte und dreidimensionale Kunstwerke. Ziel der Ausstellung ist es, die Betrachter zu einer farbenfroheren und humorvolleren Vorstellungskraft in ihrem täglichen Leben anzuregen.

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Demes

Sion / Schweiz

Demes, der in Sion in der Schweiz geboren wurde, ist eine aktive Figur und ein Pionier der Walliser Graffiti-Szene. Als Gründungsmitglied des ADP-Kollektivs malt und übermalt er seinen Heimatkanton seit den 90er Jahren bis heute mit der gleichen Lebendigkeit. Seine Arbeit besteht hauptsächlich aus der Verarbeitung von Tags zu Schriftzügen, wobei er Farben und grafische Kompositionen mischt. Die Entwicklung seiner Kunst erfolgt durch die unermüdliche Wiederholung seiner Schriftzüge, denen er bei jedem Versuch einen anderen Charakter verleiht.

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Jason Revok

Detroit / USA

Der völlig autodidaktische Jason REVOK ist dafür bekannt, kreative Grenzen zu überschreiten, die auf der Straße ihren Anfang nahmen. Obwohl seine Geschichte mit Graffiti beginnt, hat der Künstler das letzte Jahrzehnt damit verbracht, sich auf seine Praxis im Studio und auf die Entwicklung des Prozesses und des Konzepts zu konzentrieren. REVOK weigert sich, durch seine frühe Anerkennung eingeschränkt zu werden und lässt nur einige Elemente der Graffiti-Kultur in seine zeitgenössische Arbeit einfließen – bescheidene Materialien und industrielle Werkzeuge, Einfallsreichtum, sein Name – aber seine Vorliebe für Minimalismus und Abstraktion nach der Malerei ist zur treibenden Kraft seiner Praxis geworden. Indem er die Frage der Urheberschaft eines Kunstwerks von Anfang bis Ende untersuchte, entwickelte REVOK systematische, aber unvollkommene Werkzeuge zur Umsetzung seiner Vision und schuf eine Reihe von unvergleichlichen Kunstwerken. Die kühne und ausgewogene Geometrie wird durch die persönliche und unvollkommene Handarbeit des Mannes noch verstärkt.

REVOK hatte Ausstellungen im Museum of Contemporary Art Los Angeles und im Pasadena Museum of California Art, in Galerien und Sonderprojekten in New York, Los Angeles, Detroit und Dubai und ist Teil bedeutender Privatsammlungen auf der ganzen Welt.

Geboren 1977 in Riverside, Kalifornien

Lebt und arbeitet in Detroit, MI.

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Clara Grabowiecki

Argentinien

Clara Grabowiecki ist eine argentinische bildende Künstlerin, die 1983 in Buenos Aires geboren wurde. Sie studierte im Atelier des renommierten argentinischen visuellen Künstlers Carlos Gorriarena, mit dem sie ihr Interesse an der künstlerischen Erforschung der Farbe vertiefte. Ihr Einfluss spiegelt sich in einer radikalen Vision der Kunst wider, die eine besondere Strenge und Hingabe in der Art und Weise, wie sie ihre Arbeit angeht, beinhaltet. Im Jahr 2008 wurde sie als Artist in Residence im Rahmen der berühmten Takt Berlin Artist Residency ausgewählt, eine Erfahrung, die ihren kreativen Horizont erweiterte und ihre künstlerische Perspektive grundlegend veränderte. Von ihrer Neugier getrieben, zog Clara 2016 nach Europa, wo sie die Gelegenheit hatte, in die lokale Kunstszene einzutauchen und bedeutende Verbindungen zu anderen zeitgenössischen Künstlern aufzubauen. Dort schloss sie den Master of Research in Kunst und Design an der Autonomen Universität von Barcelona ab. Im Laufe ihrer Karriere stellte sie ihre Kunstwerke zwischen Buenos Aires, Berlin, Peking, Barcelona, Miami und London in renommierten Einrichtungen wie dem Kulturzentrum San Martín, dem Kulturzentrum Recoleta, Appetite Contemporary Art, ArteBA, Jardín Oculto, Wir Gallery, Big Sur, Fábrica Escocesa, La Virreina Centro de la Imagen u.a. aus. Seine Arbeit war Bestandteil bedeutender Festivals und Ausstellungen wie dem LOOP-Festival, Visual Brasil und dem Teorema-Festival. Ihre Arbeit wurde in einflussreichen Publikationen wie Diario Clarín, Revista Ramona, Arte al Día, Revista Ulisses und Wicked Mag vorgestellt.

Das Kunstwerk von Clara Grabowiecki ist eine Reise in einen inneren Kosmos. Die Bilder, die vom Gegenständlichen zum Abstrakten übergehen, konstruieren Kosmologien der Phantasie. Die menschliche und nichtmenschliche Welt interagieren in artenübergreifenden Verflechtungen, die sich von Hunden bis zu botanischen Elementen erstrecken und sich spiralförmig bis zu den atomaren Ebenen hochschrauben. Ein Netz aus Realität und Verständnis wird durch physische und Traumwelten gewebt, die von unserer unendlich komplexen Vernetzung erzählen. Die Oberfläche der Malerei ist die Arena, in der Grabowiecki Farbe und Form einsetzt, um die Schwingungstendenzen auszurichten. Die Bilder sind an ihrer Farbpalette erkennbar, die keine Angst vor tropischen Tönen und metallischen Reflexen hat, die auf das kollektive Unbewusste der kulturellen Psyche verweisen. Das Bild enthält sowohl Science-Fiction als auch alte Geschichten in einem zeitlosen Schwebezustand. Der Raum des Geistes wird als eine kristallisierte Geste in Richtung Wahrheit und Reinheit dargestellt. Der Kristall symbolisiert die Reinheit der Seele, wenn die Materie in Transparenz komprimiert wird.

Angels Miralda, Barcelona, 2022.

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Angelo Repetto

Zürich / Schweiz

Angelo Repetto (40) ist ein Musikkünstler, der in Zürich lebt und arbeitet.

Die Musik von Angelo Repetto wird immer mehr zu einem psychedelischen Spektrum, in dem sich entspannter Pop, krautige Synthesemusik und poetische Musikwelten vereinen. Seit 2005, als er mit seiner ersten Band Telaphones spielte, ist er zu einem aktiven und unumgänglichen Teil der Schweizer Musikszene geworden. Dabei entwickelt er sich ständig weiter, denn die Reise ist tief und es gibt kein Ziel, vielmehr ist es für ihn ein Prozess der Selbsterkenntnis und der Erforschung der musikalischen Vielfalt.

Er ist Teil verschiedener Projekte wie Wolfman, das Repetto seit 2013 mit Katerina Stoykova verfolgt, oder das Angelo Repetto Trio mit Markus Kenel und Nicolas Stocker, dessen Grundlage die auf Subject to Restriction Discs veröffentlichte CD Sundown Explosion ist. Mit seinem Vater Marco Repetto spielt er regelmäßig live bei besonderen Anlässen und mit Chahida Rezgueni taucht er unter dem Namen rezguenirepetto in poetischen Welten auf. Mit seinem neuesten Projekt Konstant! erkundet er zusammen mit Nicolas Balmer düstere und mitreißende Post-Punk-Welten.

Derzeit arbeitet er an einem Soloalbum in Schweizerdeutsch unter dem Pseudonym ANGI. Ein intimes Geflecht von Erkenntnissen, die er in den letzten 25 Jahren seiner Musik- und Lebenserfahrung gewonnen hat.

Alle Projekte haben die einzigartige musikalische Ästhetik von Angelo Repetto gemeinsam, diese sanfte Energie, die immer präsent ist.

Oder in seinen Worten :

“Der Klang, den Sie im Kopf haben und der Klang, der aus Ihrem Herzen kommt, sind oft zwei verschiedene Dinge. Diese Dissonanz auf eine Linie zu bringen, ist die größte Herausforderung. Musik zu produzieren, die mit sich selbst in Harmonie ist, ist für mich die Definition von guter Musik. Und dabei kommt es nicht auf die Qualität an, sondern auf den ‘Vibe'”.

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Seika

Schweiz

Die in Genf geborene Seika ist eine Graffiti-Künstlerin und Plastikerin, die sich selbst ausgebildet hat. Ihre Arbeit begann mit der Suche nach dem Stil von Buchstaben. Sie malt seit 1997 auf der Straße und wandte sich dann aufgrund ihrer Ausbildung zur Siebdruckerin der Farbe und der Welt der Illustration und des Verlagswesens zu. Sie spürte schnell das Bedürfnis, Menschen darzustellen.

Aufgrund ihrer Reisen und ihrer Liebe zu Afrika wurde sie Mitglied der RBS-Crew, die im Senegal ansässig ist. Sie malt Gesichter von Kindern, Frauen und Männern, denen sie auf ihren Reisen begegnet ist.

Sie modelliert farbenfrohe, realistische Figuren, oft nach ihren eigenen Fotos, mit ihrer ganz eigenen Note und Sensibilität. Sie stellt sich Fragen über das Sein und verteidigt humanistische, feministische und panafrikanische Werte. Ihre intensiven Porträts lassen einen nie gleichgültig und fordern den Betrachter heraus: eine Begegnung mit sich selbst.

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